miércoles, 11 de mayo de 2016

La dama de Shalott

La dama de Shalott es una leyenda relacionada con los mitos artúricos que trata sobre una joven encerrada en una torre, de la cual no puede salir y por cuya ventana tampoco puede mirar. La dama solamente puede ver el exterior mediante un espejo. El poema más representativo de esta leyenda fue el que escribió el poeta inglés Tennyson en 1833.
El poema de la dama de Shalott es un poema muy representativo de la Edad Media.  En él, encontramos muchos de los tópicos de este periodo de la historia: por ejemplo, la presencia de un paisaje que cambia según avanza la historia. Así encontramos tanto paisajes idílicos cuando las cosas están bien, como paisajes oscuros, tenebrosos, que parece que albergan algún mal, cuando se refiere a lo desconocido, prohibido, peligroso o que tiene que ver con alguna maldición. Se le da una gran importancia que se da a la superstición y a las maldiciones, a la creencia de que toda dama necesita un caballero leal y franco. Las descripciones de personajes se realizan de acuerdo con sus rasgos psicológicos y sociales (no se describe igual a un caballero leal y con honor, que evidentemente es guapo; que a un campesino, o aunque en este poema no lo encontremos, a la bruja que se encarga de realizar las maldiciones, pues ella será fea y anciana), la creencia de que la mujer es pecadora y que no puede resistirse a las tentaciones.
En primer lugar voy a comentar el primero de estos tópicos, que está relacionado con el paisaje. En el poema, encontramos dos tipos de paisajes, el primer paisaje que encontramos es un paisaje idílico en el que se describen los campos en los que trabajan los campesinos, que parecen celestiales, ya que como dice el texto “se reúnen con el cielo”, este lugar aparece descrito como un sitio tranquilo, y hermoso, paisaje en el que se centran momentos y cosas buenas.
“A ambos lados del río se despliegan,
anchos campos de cebada y centeno,
que decoran la tierra y se reúnen con el cielo,
y a través del campo se extiende el camino
que va hacia las torres de Camelot,
y la gente va y viene,
contemplando el lugar donde se balancean los lirios
alrededor de la isla de allí abajo,
la isla de Shalott”


En contraposición a este fragmento, encontramos el paisaje contrario en el que se representa un lugar maldito, oscuro y tenebroso. En este otro fragmento se describe el lugar en el que se encuentra encerrada la dama de Shalott, una isla en la que hay flores, esto, desde mi punto de vista quiere realizar una metáfora, en la que las flores son la dama de Shalott, pues ella al igual que las flores se encuentra encerrada, las flores, que no pueden moverse de la isla, y la dama que no puede salir de la torre en la que se encuentra. El lugar se describe como un sitio que produce miedo, porque en él, hasta la vegetación palidece y tiembla.

“Los sauces palidecen, tiemblan los álamos,
las leves brisas se ensombrecen y tiemblan
en las olas que discurren sin cesar
por el río que rodea la isla
fluyendo hacia Camelot.
Cuatro muros grises y cuatro torres grises
dominan el lugar rebosante de flores
y la silenciosa isla aprisiona a la Dama de Shalott”

El tópico de la importancia a la superstición y a las maldiciones, lo encontramos principalmente en este fragmento, donde, la Dama de Shalott, tras desafiar a la maldición y dejar de tejer para mirar hacia Camelot, tiene que enfrentarse a su destino, fatum, del que no puede escapar. En este fragmento también encontramos referencias religiosas, probablemente, porque en la Edad Media la religión tenía una gran importancia, esta referencia religiosa la encontramos en el momento en el que el espejo se rompe de lado a lado, que puede ser una comparación con la muerte de Cristo, tras la cual el templo se fragmenta; por lo que se puede pensar que es el momento maldito por excelencia. Otra referencia a la religión cristiana, puede ser, el hecho de que una mujer, en este caso la Dama de Shalott, no puede resistirse a las tentaciones, como es, en este caso, mirar hacia Camelot. 

“Ella dejó el lienzo, dejó el telar,
dio tres pasos por la habitación,
vio florecer el lirio en el agua,
vio la pluma y el yelmo,
y miró hacia Camelot.

La tela salió volando y ondeó en el vacío,
el espejo se quebró de lado a lado;
“La maldición cae sobre mí”
dijo la dama de Shalott”.

Otro tópico que encontramos aquí es la creencia de la Edad Media, de que toda dama necesita un caballero, y en este caso la protagonista no lo tiene, por lo que la Dama de Shalott se siente triste e incompleta.
“No tiene un caballero leal y franco, la dama de Shalott”.

Como conclusión, creo que este texto, muestra un mínimo de los infinitos tópicos que posee la Edad Media, la época de las, brujas, magos, dragones y princesas esperando a que un príncipe las rescate de una torre. Desde mi punto de vista, este periodo de la historia parece fruto de los tópicos, que son en lo primero que pensamos cuando nos hablan de Edad Media.

Es decir, probablemente si alguien me preguntase sobre la Edad Media lo primero que se me vendría a la cabeza sería una enorme torre en la que se encuentra una bella princesa, dulce, joven, de tez blanca, rubia, buena e inocente, que espera que su príncipe azul la rescate.

También puede ser que nos viniesen a la cabeza las grandes cruzadas, príncipes luchando contra dragones y una bruja “piruja” que crea maldiciones.

Nuestra incorrecta idea de Edad Media es, que en ella todo son extremos, todo es o muy bueno o muy malo, no hay un término medio; es decir, o la princesa es muy bella, o es muy fea, no encontramos un término medio. Nuestra idea nos permite ver a un príncipe guapo, apuesto, valiente, leal a su rey y a su dama, fuerte, un hombre de honor. Cuando en realidad eso nunca ha existido, porque evidentemente, seguro que ese príncipe al que acabo de describir en algún momento dejó de ser tan guapo, o no era tan guapo como él se pensaba, estoy segura de que en más de una ocasión el príncipe sintió miedo, o de una guerra o de un viejo castillo oscuro; probablemente, este personaje tan perfecto y tan leal a su rey y a su princesa, en más de una ocasión hubiese querido abandonar a ambos, pero ninguno de estos fallos se dice, porque todos estos cuentos terminan con un “colorín colorado, este cuento se ha acabado”.

Una época, en la que la iglesia era la que marcaba el día a día de cada una de las personas. Una época en la que se trabajaba de sol a sol para un señor feudal, en la que los pueblos aún se sentían parte del imperio romano. Y es que, en realidad, la Edad Media no es un tiempo delimitado, claro y con identidad propia, decir, la edad media, no va desde el 476 al 1492, como siempre nos han enseñado, sino que consiste en una amalgama de situaciones y hechos que bajo un mismo periodo histórico establecieron las bases de la moderna Europa. No se trata de una época oscura y terrible. Muchos piensan que en este periodo la cultura permaneció oculta en los monasterios, de mano de la Iglesia, y eso es verdad, pero gracias a ello, se realizaron grandísimas obras de arte, como por ejemplo la Catedral de Santiago de Compostela, o la iglesia de San Martín de Fromista;  otorgó los valores fundamentales con los que posteriormente se lograría la evolución paulatina hacia el desarrollo y la modernidad.
Un tema con el que me gustaría finalizar son los tópicos de la Edad Media que perduran hasta nuestros día, como por ejemplo, el tópico comentado anteriormente según el cual todas las mujeres para ser felices necesitan encontrar a su príncipe azul, casarse y tener hijos. Este tópico, aunque parece viejo y pasado de moda, en realidad, no está tan pasado de moda, pues en la actualidad todas las mujeres buscan una pareja, poco a poco, con mucha lentitud se va llegando a la idea de que la mujer puede ser independiente, pero seguimos en una sociedad en la que decir “Tengo treinta años y estoy soltera” nos suena raro.

 A pesar de que el tiempo haya avanzado, en algunos aspectos seguimos siendo “medievales”, no hemos avanzado tanto como la humanidad se cree. Puede que hayamos inventado teléfonos, vacunas, ordenadores… pero en realidad nuestra concepción sobre el ser humano no ha cambiado nada. El hombre, sigue teniendo esa imagen de que debe ser fuerte, que debe salvar a su dama en apuros; y la mujer, mantiene el tópico de que necesita a un hombre en su vida, ¿Porqué si hemos conseguido avanzar tanto en el sentido tecnológico, nos hemos mantenido con la misma postura en lo que se refiere el ser humano? ¿Porqué seguimos añadiendo tópicos a cada uno de los momentos de la historia y no dejamos las cosas como están?
imagen: La dama de Shalott, de Waterhouse

jueves, 28 de abril de 2016

Cantares, Joan Manuel Serrat

¡Hola a todos! Esta entrada es un trabajo de la asignatura "Historia y cultura moderna y contemporánea" que me ha parecido curioso para subirlo al blog. El trabajo, consiste en seleccionar una canción que tenga contenido político, o alguna mención a un hecho histórico de la edad contemporánea, en mi caso, he elegido la canción de Joan Manuel Serrat "Caminante no hay camino" de su álbum "Dedicado a Machado".

CONTEXTO HISTÓRICO DE LA CANCIÓN

Esta canción fue publicada en el año 1969, un año después de que se produjera el conflicto debido al concurso de Eurovisión de 1968; para el que TVE había elegido la canción de "La, la, la" del Dúo dinámico para que fuese interpretada por Serrat en representación de España. Serrat propuso cantar la canción en catalán, su propuesta fue rechazada, por lo que renunció a Eurovisión.
Tras este acto de rebeldía pública contra los medios de comunicación dominados por las autoridades franquistas muchos de sus conciertos fueron cancelados a última hora.

ANÁLISIS DE LA CANCIÓN

En esta canción de Serrat, no solo encontramos referencias al poema de Machado, si no que el cantante también lo comenta mientras hace referencia a lo que él mismo vive, es decir que se compara con Machado, ya que para él ambos sufren las mismas injusticias.

En la canción se destacan la fuerza de los acontecimientos adversos de la persecución y de la guerra:

"Cuando el jilguero no puede cantar": con esta frase hace referencia a la represión que sufría Machado en su época, y a la que él mismo sufre debido al régimen autoritario que en el momento en el que se publica la canción había en España.

"Cuando el poeta es un peregrino": con esto hace referencia al exilio de Machado, que tuvo que huir de su patria para evitar el régimen franquista,

"Cuando de nada nos sirve rezar": desde mi punto de vista esta es una de las frases más importantes de la canción, y la que más explica la situación del autor y del poeta, en la que nada puede mejorar la situación.

CONCLUSIÓN

Como conclusión creo que es necesario marcar la importancia y la repercusión que tuvo la Guerra Civil española para todos los artistas e intelectuales, que no podían expresar sus ideas con total libertad. Esta situación, supuso que muchos de estos intelectuales, como Machado o Picasso, tuvieran que huir de su tierra natal para probar suerte en otros lugares, lo que marcó profundamente a los artistas, y por eso es por lo que Serrat hace su crítica a la situación.

martes, 19 de abril de 2016

Besos en la historia del arte

¡Hola a todos! El pasado miércoles 13 de Abril, se celebraba el "Día internacional del beso", por eso he decidido escribir esta entrada, en honor a algunos de aquellos famosos besos y muestras de amor de la historia del arte.

En primer lugar me gustaría comenzar con la obra más antigua de las obras que he seleccionado, "El sarcófago de los esposos" del siglo VI a.C, encontrado en la Necrópolis de Cerveteri. En esta obra encontramos a una pareja de casados reclinándose para celebrar un banquete en la otra vida. En esta obra podemos observar el afecto de la pareja, al ver el brazo del hombre rodear los hombros de su esposa mientras la mira con ternura.


La segunda imagen que quiero destacar es Venus y Adonis, de Tiziano, obra realizada entre los años 1553 y 1554, que en la actualidad se encuentra en el Museo del Prado (Madrid). En esta obra de Tiziano podemos ver en la parte central a Venus, diosa del amor y la sexualidad, representada como una joven hermosa y desnuda. A su derecha, y siendo sujetado por la diosa encontramos a Adonis, que es un joven cazador, atractivo, que lleva los atributos propios de los cazadores, como son los perros, una lanza y una túnica corta. Esta escena, no aparece en el mito de Ovidio, ni en ninguna otra fuente clásica.
Adonis fue el fruto de la cólera de Venus, pues ella hizo que la joven Mirra (la madre de Adonis) desease incesto con su padre, y ayudada por su nodriza esta logró engañar a su padre y mantuvo relaciones con él durante doce noches; pero a la duodécima el padre se dio cuenta y persiguió a su hija para darla muerte, pero ella pidió ayuda a los dioses, que la socorrieron convirtiéndola en el árbol de la mirra, y a los nueve meses salió de este árbol, debido a que un jabalí dio un golpe al árbol, un hermoso niño que recibió el nombre de Adonis.
Venus, enternecida por la belleza del niño lo recogió y se lo dio en secreto a Perséfone para que lo criara, pero está también quedó prendada del niño y se negó a devolvérselo a Cipris. La disputa entre ambas diosas finalizó con la ayuda de Zeus, que dictó que el niño estuviese un tercio del año con Venus, otro tercio con Perséfone y el tercer tercio del año con la que él eligiese, pero el niño siempre elegía estar dos tercios del año con Afrodita.
La escena representa el momento anterior a la muerte de Adonis. El amante de la diosa, al que le encantaba la caza había decido ir a cazar, pero Venus, sabiendo que iba a ser herido de muerte le abraza intentando que no vaya a la cacería. Por tanto en esta imagen encontramos un amor desesperado, para que la pareja no vaya a la cacería, y de esta manera evitar su muerte. 
La tercera obra que he seleccionado es "Eros y Psique" de Antonio Canova, en la que encontramos representado el final del mito de los amantes, cuando vuelven a estar juntos y abrazados se funden en un apasionado beso. 


La última obra que he seleccionado es "El beso" del escultor Rodin, en la que encontramos a una pareja de enamorados besándose. 




La razón por la que he elegido estas obras, es porque todas ellas muestran con gran delicadeza y pasión distintas muestras de amor, mis favoritas, son “Eros y Psique” de Canova y “El beso” de Rodin, debido al movimiento existente en la obra y a su realismo, ya que al mirarlas parece que lo que vemos es a una pareja pintada de blanco.

Imágenes tomadas de la página web "artehistoria" y "wikipedia".

lunes, 11 de abril de 2016

Black mirror, la importancia del mundo de las imágenes

Antes de comenzar a leer el artículo, es necesario saber que contiene SPOILERS sobre el primer capítulo de la serie "Black mirror", en concreto de su primer capítulo "The National Anthem". En el artículo comentaré este episodio de una manera distinta, pues también voy a analizarlo de manera artística. Espero que os guste. 
"The National Anthem" es el título que recibe el primer episodio de la serie de televisión "Black Mirror". Esta serie fue creada por Charlie Brooker, y fue estrenada el 4 de Diciembre de 2011 con este episodio. En este primer capítulo, encontramos una gran crítica hacia la clase política, que prefiere perder su dignidad antes que perder el poder. El primer pasaje de la serie comienza cuando el primer ministro británico recibe un vídeo en el que se le amenaza con asesinar a Susannah (una especie de Lady Di en la ficción), si no mantiene relaciones sexuales en directo para todo el país con un cerdo. A partir de esto, el primer ministro comienza a sentir distintas presiones y siente lo que en la tragedia clásica se denomina agón, una lucha interna entre lo que quiere y lo que debe hacer.
Lo primero que merece atención es la introducción, en la que tras organizar las letras que forman el título parece que nos encontramos ante un espejo que se rompe. Esto desde mi punto de vista hace referencia a dos aspectos distintos. En primer lugar a la influencia que tiene la superstición en toda la sociedad, que a pesar de que cada vez es menor sigue muy presente. Encontramos aquí, un pequeño recuerdo a la superstición popular gracias a un espejo roto, que tradicionalmente ha sido uno de los culpables de la mala suerte; esto, puede ser por la mala suerte que se le plantea al primer ministro desde un primer momento hasta que finaliza el capítulo. En segundo lugar creo que también puede hacer referencia a una expresión popular también relacionada con los espejos, que dice que cuando algo feo se refleja en un espejo se rompe, y esto puede referirse a que las cosas que pasan a lo largo del capítulo no son cosas agradables, es decir funciona a modo de advertencia para el espectador.
En el capítulo se nos presenta la importancia de las imágenes, ya que lo que el secuestrador solicita como rescate es una imagen. Una imagen que es capaz de humillar al primer ministro británico y que es capaz de revolucionar al país entero. En el capítulo podemos encontrar la evolución de esta imagen.
En un primer momento, como sostiene Jane, la esposa del primer ministro, la imagen, aunque no haya sucedido, está en las cabezas de todas las personas que hayan visto el vídeo en el que se solicita el rescate. Es decir, aquí podemos ver la fuerza que tiene una imagen mental, que puede llegar a ser o no vedad, pero la imagen ya ha sucedido en nuestra cabeza.
Además, a lo largo del capítulo se hacen distintas reflexiones sobre este nuevo momento histórico que se encuentra dominado por imágenes. Un periodo en el que en cuestión de segundos una imagen puede pasar de un lado a otro del globo terráqueo. Esto es, como dice uno de los ministros en la serie un territorio inexplorado en el que no hay protocolo de acción, porque una vez divulgada la imagen, es imposible pararla y hacer que no se extienda más. También, en el capítulo denominan a esta forma de chantaje "una nueva manera de terrorismo" es decir con una imagen, se puede chantajear a cualquier persona, y que para evitar su divulgación esta persona haga lo que se le pida.
Al final del capítulo las noticias nos dicen que la persona que coaccionó al primer ministro era un artista, y que la acción que realizó el primer ministro fue una obra de arte. De hecho, según estas noticias, esta es “la primera obra de arte del siglo XXI”.  Esto puede ser tomado como una obra de arte en la que predomina la denuncia social, una denuncia hacia el primer ministro, que al principio del capítulo podemos apreciar que trata con desdén a la población, que se cuestiona con mofa qué pedirá el secuestrador, como por ejemplo que no se cierren las bibliotecas públicas, con esta denuncia, el secuestrador consigue, humillar a uno de los símbolos de la sociedad británica, como es el primer ministro.
Finalmente desde mi punto de vista, creo que en este capítulo se muestra la importancia y el poder de las imágenes, pero sobre todo la falta de poder que tenemos sobre las imágenes en la actualidad, ya que gracias a las redes sociales las imágenes pueden pasar de un lado a otro de la tierra en cuestión de segundos.

Laocoonte y sus hijos

En esta entrada voy a realizar un comentario artístico del grupo escultórico “Laocoonte y sus hijos”. En el artículo también voy a tratar el mito que representa, y las consecuencias que ha causado esta obra.
MITO, LA CAIDA DE TROYA
El mito de Laocoonte es un tema muy conocido y tratado por los mitógrafos griegos y latinos como son Homero y Virgilio, respectivamente. Ambos mitógrafos coinciden en que Laocoonte era el sacerdote de Apolo Timbreo, en la región de Troya. Al comenzar la guerra, matan al sacerdote de Posidón por no haber conseguido que, con los sacrificios a Posidón los aqueos no llegasen a las costas de Troya, así que nombraron a Laocoonte sacerdote de POsidón.
En La Eneida, Virgilio cuenta como Laocoonte advierte a sus conciudadanos del peligro de introducir en la ciudad el gran caballo de madera que los griegos, supuestamente, habían dejado como ofrenda a Atenea a la hora de retirarse. Virgilio lo expresa así “Desconfío de los dánaos hasta cuando traen regalos”, aquí cuando Virgilio dice dánaos se está refiriendo a los aqueos, los rivales de los troyanos. Posteriormente, el propio Laocoonte le clava una lanza en el caballo, demostrando que el gran caballo estaba hueco, pero no sirvió de gran ayuda.
Los troyanos consiguieron atrapar a Sinón, uno de los espías aqueos, al cual Ulises le había encargado la tarea de convencer a los troyanos de que el caballo era una ofrenda y que la dejasen pasar a la ciudad. Laocoonte claramente se opuso a esta versión de la que hablaba Sinón exclamando: “Ésas son mentiras y parecen inventadas por Odiseo. ¡No le creas Príamo!”
Paralelamente,Laocoontefue al templo de Posidón para sacrificar un gigantesco toro en su honor y así dificultando la travesía de vuelta a los aqueos pero una vez allí, dos grandes serpientes marinas, llamadas Porce y Caribea, surgieron de las olas y atacaron a los hijos de Laocoonte (Anfitate y Timbreo) y el padre acudió en su ayuda, siendo este momento el inmortalizado en la pieza escultórica,  posteriormente los tres murieron ahogados. El pueblo troyano, al ver el asesinato de Laocoonte fue a por las serpientes pero ellas, se enroscaron en los pies de la gran escultura de Atenea, por lo que interpretaron que el sacerdote de Apolo y Posidón había sido castigado por los dioses por haber atacado el gran caballo de madera así que, siguieron las órdenes de Príamo, que insistió desde el principio en pasar el caballo, lo introdujeron en la ciudad y lo consagraron a la diosa Atenea.
El mito no finaliza con la muerte de Laocoonte, ya que, al haber introducido el caballo en la ciudad, habían condenado a su propia ciudad a la destrucción.Llegada la noche los soldados aqueos que habitaban en su interior salieron de este enorme caballo y abrieron las puertas de la ciudad, dando pie a que los soldados restantes que estaban escondidos a las afueras de la ciudad entrasen en la misma y, por consiguiente, invadiesen y destruyesen la ciudad de Troya, dando por finalizado la mítica Guerra de Troya con la victoria aquea.
La muerte de Laocoonte, por mucho que parezca ser el intento de destruir la supuesta ofrenda a Atenea, fue por otra razón muy diferente. Laocoonte, según cuentan otros autores como Higino, se casó con Antíope en el propio templo de Apolo Timbreo, delante de la estatua de Apolo, lo que constituía un sacrilegio. Esa fue la verdadera razón por la que Laocoonte, fue castigado por los dioses (Apolo) y no por haber intentado destruir el caballo de madera. Esta versión de Higino va un poco a contracorriente y se debe a que la mayoría de mitógrafos opinan que no fue Apolo quien le castigó si no Atenea, porque se casó con Antíope en el Templo de Atenea y no en el de Apolo.
(Las referencias de este apartado han sido tomadas de: Virgilio, La Eneida, ii, 49. Virgilio, La Eneida, ii, 201 e Higino, Fábulas, 135.)

CONTEXTO HISTÓRICO DE LA OBRA
Para hablar sobre el contexto histórico de la obra, es muy importante destacar el hecho de que no se sabe con exactitud cuándo se ha realizado la obra ni quien la ha realizado. Plinio nos dice que la obra ha sido realizada por Atenodoro, Polidoro y Atenodoro, pero no encontramos una evidencia física de esto hasta que no se descubre la cueva de Sperlonga. En esta cueva, se encuentran unas esculturas muy similares con la firma de estos tres autores, y por eso es por lo que se piensa que el Laocoonte fue realizado por ellos, y seguramente en un periodo de tiempo cercano, seguramente en la época de Tiberio, porque estas esculturas se encuentran en la villa de Tiberio, (la cueva de Sperlonga es el comedor de esta villa). Esta inscripción de la que hemos hablado dice: “Atenodoro, hijo de Agesandro; Agesandro, hijo de Peonio y Polidoro, hijo de Polidoro; rodios me hicieron”, por tanto esto confirma que ellos fueron los autores que la realizaron.
El conjunto del Laocoonte fue descubierto en pleno Renacimiento Italiano, en él se inició una etapa de grandes logros y cambios culturales que se extiende hasta el año 1600.
La obra fue hallada de forma accidental en el año 1506, la escultura había permanecido enterrada durante siglos y fue descubierta durante la excavación de un pozo. El descubrimiento supuso un gran impacto en todos los artistas de la época, y el Laocoonte se convirtió en una referencia para todos los escultores especialmente para  Miguel Ángel el cual se veía profundamente sorprendido por el efecto dramático y realista de la obra, la tensión de los músculos, el detalle de las venas, las expresiones faciales… Toda esta influencia del Laocoonte sobre Miguel Ángel la podemos encontrar tanto en sus pinturas como en sus esculturas, como por ejemplo en las pinturas del Juicio Final de la Capilla Sixtina.
El descubrimiento se ha atribuido a un campesino que encontró 9 fragmentos de una estatua de mármol, al enterarse el Papa Julio II, envió al arquitecto Giuliano de Sangallo y a Miguel Ángel a inspeccionar dichos restos.
El descubrimiento no solo supuso una influencia en el arte renacentista, sino que también constituyó un impacto mediático, provocando todo un espectáculo en la ciudad de Roma. El Papa consiguió añadirla a su colección personal al precio de 600 ducados, lo transportó hasta los Palacios Vaticanos atravesando las calles como si se tratase de un desfile triunfal. Fue colocada en el nuevo complejo diseñado por Bramante.
ANÁLISIS DE LA OBRA
En primer lugar, creo que merece especial importancia a la hora de analizar la estructura de la obra mencionar la relevancia del desnudo masculino en esta obra. Los tres personajes que aparecen en la obra presentan un cuerpo similar al de los atletas griegos (desnudo y con una fuerte musculatura). Con esto, podemos apreciar la importancia del desnudo en el mundo griego y en la escultura. El desnudo estaba ligado al deporte, y para las personas de la época llegó a ser como un vestido, un “uniforme” que se utilizaba para hacer deporte y luchar en las guerras. Los atletas, eran personas que tenían tiempo de ir a la palestra, y por tanto no trabajaban, por lo que eran de una clase social alta. En este grupo, encontramos a los personajes representados como atletas, lo que nos dice que eran personas que necesitasen tener un negocio para vivir.  (Arte y erotismo en el mundo clásico. Autora Carmen Sánchez. Ediciones Siruela. Página 22)
La obra muestra tres personajes, el personaje central, es Laocoonte, un sacerdote Troyano consagrado al dios Apolo, y los dos hijos del sacerdote, Anfitate y Timbreo. En la escena se representa el castigo divino que recibe el sacerdote, que dependiendo de las fuentes varía la razón de ese castigo. Pero la versión que aquí aparece representada es la versión de Sófocles, que nos dice que el sacerdote se había unido con su mujer ante el altar del dios y por ello el dios había decidido castigarlo con su muerte y la de sus dos hijos. (Salvatore Settis, Laocoonte fama y estilo, editorial Vaso Roto Arte, capítulo El mito y la escultura, pág 127-129)
Laocoonte aparece representado como un hombre de edad adulta, barbado, como un atleta con una marcada musculatura y con una postura que marca una gran tensión. Los hijos del sacerdote aparecen como dos jóvenes imberbes por lo que podemos deducir que eran jóvenes entre 12 y 17 años. Estos tres personajes aparecen unidos mediante las serpientes que los apresan y se encuentran apoyados sobre un bloque de mármol cubierto con una tela.
Los personajes muestran distintas sensaciones, por ejemplo el sacerdote se lamenta mientras una de las serpientes lo muerde, uno de sus hijos, aparece ya muerto, probablemente por la picadura de la serpiente, y el otro hijo del sacerdote, que se encuentra intentando librarse de la serpiente nos transmite una sensación de miedo mientras mira a su padre. (Autor Salvatore Settis, libro: Laocoonte fama y estilo; editorial Vaso Roto Arte; página 95)
Virgilio, en la Eneida nos cuenta cómo el sacerdote avisa sobre el caballo de Troya, (Virgilio, Eneida, II, 40- 47)
“De lo alto de la fortaleza baja Laocoonte encendido,
al frente de una crecida tropa, gritando
¡qué locura tan grande, pobres ciudadanos!
¿pensáis que el enemigo a huido? ¿Qué los dánaos
pueden hacer regalos sin trampa? ¿Así conocéis a Ulises?
O escondidos en su tripa
vienen los aqueos, o este artefacto se levanta contra nuestras murallas
para espiar nuestras casas y caer sobre la ciudad desde lo alto.
Teucros, no os fieis de este caballo, temo a los dánaos
incluso si vienen con regalos”

En este fragmento, puedo observar las advertencias que el sacerdote da a los troyanos cuando reciben el caballo que los dánaos les han regalado. Él culpa a los troyanos de no conocer a Ulises, diciéndoles que los aqueos deben estar escondidos en el caballo, que es una trampa. Es decir, que este fragmento me indica el posible porqué del castigo de Laocoonte: avisar de la llegada de los dánaos y de la trampa en la que los troyanos están a punto de caer; y el antecedente para que se produzca la escena de la escultura de Laocoonte que se encuentra en los Museos Vaticanos.

Virgilio, también en la Eneida nos cuenta cómo se produce la muerte del sacerdote (Virgilio, Eneida, II, 205-227)
“Dos enormes serpientes cruzan el mar desde la isla de Ténedos
dirigiéndose a la playa; asoman la lengua entre las olas
y con crestas de sangre emergen de las aguas.
El resto de sus cuerpos se retuercen en el mar
como el dibujo de un torbellino. Su silbido
resuena en la sal espumante y al llegar a tierra
traen ojos encendidos, inyectados en sangre y en fuego
y en sus bocas sibilantes la lengua vibra amenazadora
Aterrorizados por la visión, huimos. Juntas
buscan y encuentran a Laocoonte,
después de rodear los cuerpos de sus hijos
devoran a mordiscos sus pobres miembros,
para después abalanzarse sobre él,
que acudía en su auxilio con flechas.
Abrazan su cuerpo con monstruosos anillos,
y con un doble lazo le atenazan con sus cuerpos escamados
y lo sobrepasan con la cabeza y las erguidas cervices.
Él pugna por deshacer los nudos con sus manos,
las vendas de su frente chorrean sangre seca y negro veneno,
eleva al cielo sus gritos horrendos, iguales a los del toro
que escapa herido del ara sacudiendo de su cerviz
el hacha que erró el golpe.”
En este otro fragmento se describe el momento que nos muestra la escultura, especialmente los versos 214- 224, cuando las serpientes ya han llegado a sus víctimas y proceden a realizar el castigo divino impuesto a Laocoonte. Aquí, encuentro descripciones que veo en la escultura “eleva al cielo sus gritos horrendos” ya que en la escultura Laocoonte se encuentra mirando al cielo, con la boca entre abierta, lleno de dolor, que parece como si estuviera gritando, suplicando a los dioses. Por otro lado, en la obra encontramos la escena mezclada, porque al contrario que en el texto, en la escultura encontramos a los tres personajes luchando juntos, y en cambio  en la obra de Virgilio, primero la serpiente ataca a los hijos de Laocoonte y luego atacan al sacerdote.
Esta obra, ha sido construida con piedra local rodia, mármol griego y mármol italiano de Carrara. (http://www.artehistoria.com/v2/obras/8007.htm)
Sobre la autoría de la obra, muchos historiadores del arte, como por ejemplo Salvatore Settis, opinan que fue realizada por Agesandro, Polidoro y Atenodoro, de la escuela de Rodas, porque se han encontrado sus firmas tanto en esta obra como en las obras encontradas en la Gruta de Tiberio, en Sperlonga, obras con las que la obra de Laocoonte y sus hijos tienen gran similitud.
La fama del Laocoonte, empezó al ser descubierta en el año 1506, y continúa hasta nuestros días, gracias a acontecimientos externos a ella.
Finalmente en el comentario de esta obra es importante añadir las características que posee la obra del estilo del que fue realizado. En primer lugar en la obra destaca un fuerte realismo, la gran importancia de la exageración y la expresividad, que rompen con la idealización y la armonía de la belleza. Destaca la utilización de materiales de alta calidad.
REPERCUSIÓN DE LA OBRA EN TIEMPOS POSTERIORES
Imitación del Laocoonte en un cómic de Asterix y Obelix.
AsterixLaocoon
Grabado francés
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Obra del Greco, en la que se representa a Laocoonte y sus hijos.
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Como podemos observar, la obra ha tenido una gran influencia a partir de su descubrimiento, ya que ha sido representado en muchas ocasiones.
Laocoonte y sus hijos Fotografía tomada en los Museos Vaticanos el pasado mes de Julio.
Como conclusión, pienso que debería resaltar la gran influencia posterior que tuvo el Laocoonte, tanto en la pintura como en la escultura, y la cantidad de problemas que surgieron con su descubrimiento en el año 1506, que llevó a muchos quebraderos de cabeza con la reconstrucción y las teorías que llevó a distintas hipótesis sobre su autenticidad o no.
Lo más destacable dentro de toda esta influencia posterior es la manera en la que cambió la forma de ver el arte en el siglo XVI, en los comienzos del Cinquecento, e influyó no solamente en los artistas italianos, como es toda la vida artística de Miguel Ángel, si no que llegó a otros artistas extranjeros como puede ser El Greco.

sábado, 11 de abril de 2015

Éxtasis de Santa Teresa - Bernini

ENCUADRE

Título y autor: Éxtasis de Santa Teresa
Fecha: 1647-1652
Museo: Iglesia de Santa María de la Victoria
Materiales: mármol blanco y bronce dorado
Estilo: barroco italiano
Medidas: 3,5 metros


ANÁLISIS Y COMENTARIO

Esta obra presenta todas las características de la escultura barroca. En primer lugar, buscaba la exaltación del poder del mecenas, en este caso de Cornaro y su familia. Cornado y su familia pueden apreciarse fuera de esta composición dentro de la iglesia en unas paredes laterales a modo de palco teatral asomándose para ver el milagro; lo que nos lleva a la característica de la escenografía que componía a las artes barrocas.

 La persuasión religiosa se ve claramente en el tema, que es religioso, en el que aparece la Santa, siendo partícipe del milagro que la convirtió en santa. La santa fue canonizada en el año 1622, y durante el barroco la Iglesia prodiga las canonizaciones.
Las obras de este periodo buscaban el movimiento, las curvas y los efectos del claroscuro, que se aprecia perfectamente en esta obra. El movimiento se aprecia en el ángel y en Santa Teresa. Las curvas están presentes en ambos personajes, pero la más destacada es la de la figura de Santa Teresa, que hace una “S” al estar recostada sobre las nubes.




La obra del Éxtasis de Santa Teresa fue esculpida en la madurez de Bernini. Las figuras muestran una gran expresividad y junto con el tratamiento de los plegados, contribuye a la fuerza espiritual de la escultura.

En la obra podemos encontrar cuatro elementos distintos: la nube sobre la que se encuentran Santa Teresa y el ángel, Santa Teresa, el ángel y los rayos de sol.
Estos cuatro elementos, a su vez los podemos clasificar por el material por el que están construidos. Los rayos de Sol están construidos con bronce dorado y caen en forma de finas barras hacia Santa Teresa y el Ángel.
Por otro lado, encontramos al resto de elementos construidos en mármol blanco. En estas figuras se produce una diferenciación de texturas, realizada a través del mayor o menos pulido de las superficies.

Santa Teresa aparece desmayada, con los ojos cerrados y a pesar de esto con una gran expresividad. En ella podemos observar la técnica de los paños mojados y las diferencias de texturas entre sus ropajes y la piel. En ella se puede apreciar el movimiento en sus ropajes.


El ángel también presenta la técnica de los paños mojados. En él, el cambió de texturas es más notable, porque además de sufrirlo en la piel y el ropaje lo sufre en el pelo y en las alas. Las alas son de un color más oscuro, y no parecen estar en movimiento. En cambio, el pelo del ángel parece estar en movimiento. En el brazo derecho, el ángel porta la flecha que según los escritos de Santa Teresa este la clavará.



Por último, creo que es importante mencionar la fuente de la que está sacada la obra. La obra está inspirada en el relato escrito por Santa Teresa de Ávila, según ellos, en un arrebato místico, sintió cómo un ángel se le aparecía en sueños y le atravesaba el pecho con una flecha de amor divino que le provocó una sensación de dolor y gozo simultáneo que la dejó desfallecida y suspendida en el aire, levitando sobre las nubes.

sábado, 14 de marzo de 2015

El Nacimiento de Venus - Sandro Botticelli

Encuadre:
Título de la obra: El nacimiento de Venus
Autor: Sandro Botticelli
Estilo: pintura del Renacimiento, Quatrocento.

Análisis y Comentario:
En esta obra se encuentra representada la llegada de la diosa Venus a las playas de Citera, según cuenta el mito. En la obra también aparecen la ninfa Primavera, y abrazados los dioses Céfiro (dios del viento) y Aura (diosa de la brisa). Los cuatro personajes pueden agruparse en tres grupos, los dioses Céfiro y Aura en un grupo, Venus como personaje central y finalmente la ninfa primavera.
El personaje central de la obra es la diosa Venus, que aparece en una concha en su llegada a la isla de Citera. La leyenda dice que el dios Saturno cortó los genitales de su padre, Urano y los arrojó al mar; y así nació la diosa Venus. La diosa Venus es la diosa del amor y la belleza.
La diosa aparece siguiendo los cánones de belleza del Renacimiento italiano. Aparece como una mujer rubia de ojos azules y con curvas, lo que en la época daba noticia de riqueza, por el sedimentarismo causado por la ausencia de trabajo en las clases altas.
La divinidad se cubre el pecho con las manos y sus partes íntimas las cubre con el pelo.  Aparece con la postura del contra posto.
Los dioses Céfiro y Aura, el dios del viento y la diosa de la brisa aparecen abrazados con alas mientras soplan para ayudar a la diosa Venus a llegar a su destino. Los dioses aparecen cubiertos por una túnica en la que se puede apreciar la técnica de los paños mojados. Cerca de los dioses aparecen unas rosas de color rosa, cuyo significado es la ausencia de maldad, la simpatía y la belleza, rasgos presentes en la diosa.
 La diosa Aura es representada con los cánones de belleza de la época, pero no llega a ser tan bella como la diosa Venus.
El dios Céfiro aparece representado como un hombre moreno aparentemente fuerte, pues está sujetando a la diosa Aura mientras la abraza.
El último personaje de la obra es la ninfa primavera, que porta un manto con el que cubrir a la diosa a su llegada. Según la leyenda las ninfas fueron las encargadas de educar a la diosa.
De la obra es importante destacar que en ella se aprecian los contornos de todas las figuras.


Características de la pintura del Quatrocento, Botticelli:
Botticelli fue el pintor más destacado de la segunda mitad del siglo XV en Florencia. Fue discípulo de Andrea del Verrocchio y trabajó principalmente para los Médicis. En su obra se aprecia el dominio del dibujo y de la composición, y un estilo lírico facilitado por la esbeltez y las posturas curvadas.
En esta obra se puede apreciar el neoplatonismo, puesto que se mezcla lo clásico con lo cristiano. En esta obra, a pesar de ser un tema de la mitología griega y romana, se quiere representar que los cristianos nacen a través del agua del bautismo.
La técnica utilizada en la obra es el temple, que consiste en utilizar huevo como aglutinante.

La modelo de esta obra es Simonetta Cattaneo, una musa florentina elegida por los Médicis.
En esta primera imagen se puede apreciar el canon de belleza del Renacimiento, con los ojos claros, cabellos rubios, mirada melancólica y boca entreabierta.

En esta imagen se encuentran presentes Céfiro y Aura, los dioses del Viento y la Brisa, encargados de llevar a la diosa Venus a las orillas de la isla.


En esta imagen está representada la ninfa primavera, que es una de las encargadas de educar a la diosa Venus.
Imagen del cuadro completo