Cantares, Joan Manuel Serrat

¡Hola a todos! Esta entrada es un trabajo de la asignatura "Historia y cultura moderna y contemporánea" que me ha parecido curioso para subirlo al blog. El trabajo, consiste en seleccionar una canción que tenga contenido político, o alguna mención a un hecho histórico de la edad contemporánea, en mi caso, he elegido la canción de Joan Manuel Serrat "Caminante no hay camino" de su álbum "Dedicado a Machado".

CONTEXTO HISTÓRICO DE LA CANCIÓN

Esta canción fue publicada en el año 1969, un año después de que se produjera el conflicto debido al concurso de Eurovisión de 1968; para el que TVE había elegido la canción de "La, la, la" del Dúo dinámico para que fuese interpretada por Serrat en representación de España. Serrat propuso cantar la canción en catalán, su propuesta fue rechazada, por lo que renunció a Eurovisión.
Tras este acto de rebeldía pública contra los medios de comunicación dominados por las autoridades franquistas muchos de sus conciertos fueron cancelados a última hora.

ANÁLISIS DE LA CANCIÓN

En esta canción de Serrat, no solo encontramos referencias al poema de Machado, si no que el cantante también lo comenta mientras hace referencia a lo que él mismo vive, es decir que se compara con Machado, ya que para él ambos sufren las mismas injusticias.

En la canción se destacan la fuerza de los acontecimientos adversos de la persecución y de la guerra:

"Cuando el jilguero no puede cantar": con esta frase hace referencia a la represión que sufría Machado en su época, y a la que él mismo sufre debido al régimen autoritario que en el momento en el que se publica la canción había en España.

"Cuando el poeta es un peregrino": con esto hace referencia al exilio de Machado, que tuvo que huir de su patria para evitar el régimen franquista,

"Cuando de nada nos sirve rezar": desde mi punto de vista esta es una de las frases más importantes de la canción, y la que más explica la situación del autor y del poeta, en la que nada puede mejorar la situación.

CONCLUSIÓN

Como conclusión creo que es necesario marcar la importancia y la repercusión que tuvo la Guerra Civil española para todos los artistas e intelectuales, que no podían expresar sus ideas con total libertad. Esta situación, supuso que muchos de estos intelectuales, como Machado o Picasso, tuvieran que huir de su tierra natal para probar suerte en otros lugares, lo que marcó profundamente a los artistas, y por eso es por lo que Serrat hace su crítica a la situación.

Besos en la historia del arte

¡Hola a todos! El pasado miércoles 13 de Abril, se celebraba el "Día internacional del beso", por eso he decidido escribir esta entrada, en honor a algunos de aquellos famosos besos y muestras de amor de la historia del arte.

En primer lugar me gustaría comenzar con la obra más antigua de las obras que he seleccionado, "El sarcófago de los esposos" del siglo VI a.C, encontrado en la Necrópolis de Cerveteri. En esta obra encontramos a una pareja de casados reclinándose para celebrar un banquete en la otra vida. En esta obra podemos observar el afecto de la pareja, al ver el brazo del hombre rodear los hombros de su esposa mientras la mira con ternura.

La segunda imagen que quiero destacar es Venus y Adonis, de Tiziano, obra realizada entre los años 1553 y 1554, que en la actualidad se encuentra en el Museo del Prado (Madrid). En esta obra de Tiziano podemos ver en la parte central a Venus, diosa del amor y la sexualidad, representada como una joven hermosa y desnuda. A su derecha, y siendo sujetado por la diosa encontramos a Adonis, que es un joven cazador, atractivo, que lleva los atributos propios de los cazadores, como son los perros, una lanza y una túnica corta. Esta escena, no aparece en el mito de Ovidio, ni en ninguna otra fuente clásica.

Adonis fue el fruto de la cólera de Venus, pues ella hizo que la joven Mirra (la madre de Adonis) desease incesto con su padre, y ayudada por su nodriza esta logró engañar a su padre y mantuvo relaciones con él durante doce noches; pero a la duodécima el padre se dio cuenta y persiguió a su hija para darla muerte, pero ella pidió ayuda a los dioses, que la socorrieron convirtiéndola en el árbol de la mirra, y a los nueve meses salió de este árbol, debido a que un jabalí dio un golpe al árbol, un hermoso niño que recibió el nombre de Adonis.

Venus, enternecida por la belleza del niño lo recogió y se lo dio en secreto a Perséfone para que lo criara, pero está también quedó prendada del niño y se negó a devolvérselo a Cipris. La disputa entre ambas diosas finalizó con la ayuda de Zeus, que dictó que el niño estuviese un tercio del año con Venus, otro tercio con Perséfone y el tercer tercio del año con la que él eligiese, pero el niño siempre elegía estar dos tercios del año con Afrodita.

La escena representa el momento anterior a la muerte de Adonis. El amante de la diosa, al que le encantaba la caza había decido ir a cazar, pero Venus, sabiendo que iba a ser herido de muerte le abraza intentando que no vaya a la cacería. Por tanto en esta imagen encontramos un amor desesperado, para que la pareja no vaya a la cacería, y de esta manera evitar su muerte. 

La tercera obra que he seleccionado es "Eros y Psique" de Antonio Canova, en la que encontramos representado el final del mito de los amantes, cuando vuelven a estar juntos y abrazados se funden en un apasionado beso. 

La última obra que he seleccionado es "El beso" del escultor Rodin, en la que encontramos a una pareja de enamorados besándose. 

La razón por la que he elegido estas obras, es porque todas ellas muestran con gran delicadeza y pasión distintas muestras de amor, mis favoritas, son “Eros y Psique” de Canova y “El beso” de Rodin, debido al movimiento existente en la obra y a su realismo, ya que al mirarlas parece que lo que vemos es a una pareja pintada de blanco.

Imágenes tomadas de la página web "artehistoria" y "wikipedia".

Black mirror, la importancia del mundo de las imágenes

Antes de comenzar a leer el artículo, es necesario saber que contiene SPOILERS sobre el primer capítulo de la serie "Black mirror", en concreto de su primer capítulo "The National Anthem". En el artículo comentaré este episodio de una manera distinta, pues también voy a analizarlo de manera artística. Espero que os guste. 

"The National Anthem" es el título que recibe el primer episodio de la serie de televisión "Black Mirror". Esta serie fue creada por Charlie Brooker, y fue estrenada el 4 de Diciembre de 2011 con este episodio. En este primer capítulo, encontramos una gran crítica hacia la clase política, que prefiere perder su dignidad antes que perder el poder. El primer pasaje de la serie comienza cuando el primer ministro británico recibe un vídeo en el que se le amenaza con asesinar a Susannah (una especie de Lady Di en la ficción), si no mantiene relaciones sexuales en directo para todo el país con un cerdo. A partir de esto, el primer ministro comienza a sentir distintas presiones y siente lo que en la tragedia clásica se denomina agón, una lucha interna entre lo que quiere y lo que debe hacer.

Lo primero que merece atención es la introducción, en la que tras organizar las letras que forman el título parece que nos encontramos ante un espejo que se rompe. Esto desde mi punto de vista hace referencia a dos aspectos distintos. En primer lugar a la influencia que tiene la superstición en toda la sociedad, que a pesar de que cada vez es menor sigue muy presente. Encontramos aquí, un pequeño recuerdo a la superstición popular gracias a un espejo roto, que tradicionalmente ha sido uno de los culpables de la mala suerte; esto, puede ser por la mala suerte que se le plantea al primer ministro desde un primer momento hasta que finaliza el capítulo. En segundo lugar creo que también puede hacer referencia a una expresión popular también relacionada con los espejos, que dice que cuando algo feo se refleja en un espejo se rompe, y esto puede referirse a que las cosas que pasan a lo largo del capítulo no son cosas agradables, es decir funciona a modo de advertencia para el espectador.

En el capítulo se nos presenta la importancia de las imágenes, ya que lo que el secuestrador solicita como rescate es una imagen. Una imagen que es capaz de humillar al primer ministro británico y que es capaz de revolucionar al país entero. En el capítulo podemos encontrar la evolución de esta imagen.

En un primer momento, como sostiene Jane, la esposa del primer ministro, la imagen, aunque no haya sucedido, está en las cabezas de todas las personas que hayan visto el vídeo en el que se solicita el rescate. Es decir, aquí podemos ver la fuerza que tiene una imagen mental, que puede llegar a ser o no vedad, pero la imagen ya ha sucedido en nuestra cabeza.

Además, a lo largo del capítulo se hacen distintas reflexiones sobre este nuevo momento histórico que se encuentra dominado por imágenes. Un periodo en el que en cuestión de segundos una imagen puede pasar de un lado a otro del globo terráqueo. Esto es, como dice uno de los ministros en la serie un territorio inexplorado en el que no hay protocolo de acción, porque una vez divulgada la imagen, es imposible pararla y hacer que no se extienda más. También, en el capítulo denominan a esta forma de chantaje "una nueva manera de terrorismo" es decir con una imagen, se puede chantajear a cualquier persona, y que para evitar su divulgación esta persona haga lo que se le pida.

Al final del capítulo las noticias nos dicen que la persona que coaccionó al primer ministro era un artista, y que la acción que realizó el primer ministro fue una obra de arte. De hecho, según estas noticias, esta es “la primera obra de arte del siglo XXI”.  Esto puede ser tomado como una obra de arte en la que predomina la denuncia social, una denuncia hacia el primer ministro, que al principio del capítulo podemos apreciar que trata con desdén a la población, que se cuestiona con mofa qué pedirá el secuestrador, como por ejemplo que no se cierren las bibliotecas públicas, con esta denuncia, el secuestrador consigue, humillar a uno de los símbolos de la sociedad británica, como es el primer ministro.

Finalmente desde mi punto de vista, creo que en este capítulo se muestra la importancia y el poder de las imágenes, pero sobre todo la falta de poder que tenemos sobre las imágenes en la actualidad, ya que gracias a las redes sociales las imágenes pueden pasar de un lado a otro de la tierra en cuestión de segundos.

Laocoonte y sus hijos

En esta entrada voy a realizar un comentario artístico del grupo escultórico “Laocoonte y sus hijos”. En el artículo también voy a tratar el mito que representa, y las consecuencias que ha causado esta obra.

MITO, LA CAIDA DE TROYA

El mito de Laocoonte es un tema muy conocido y tratado por los mitógrafos griegos y latinos como son Homero y Virgilio, respectivamente. Ambos mitógrafos coinciden en que Laocoonte era el sacerdote de Apolo Timbreo, en la región de Troya. Al comenzar la guerra, matan al sacerdote de Posidón por no haber conseguido que, con los sacrificios a Posidón los aqueos no llegasen a las costas de Troya, así que nombraron a Laocoonte sacerdote de POsidón.

En La Eneida, Virgilio cuenta como Laocoonte advierte a sus conciudadanos del peligro de introducir en la ciudad el gran caballo de madera que los griegos, supuestamente, habían dejado como ofrenda a Atenea a la hora de retirarse. Virgilio lo expresa así “Desconfío de los dánaos hasta cuando traen regalos”, aquí cuando Virgilio dice dánaos se está refiriendo a los aqueos, los rivales de los troyanos. Posteriormente, el propio Laocoonte le clava una lanza en el caballo, demostrando que el gran caballo estaba hueco, pero no sirvió de gran ayuda.

Los troyanos consiguieron atrapar a Sinón, uno de los espías aqueos, al cual Ulises le había encargado la tarea de convencer a los troyanos de que el caballo era una ofrenda y que la dejasen pasar a la ciudad. Laocoonte claramente se opuso a esta versión de la que hablaba Sinón exclamando: “Ésas son mentiras y parecen inventadas por Odiseo. ¡No le creas Príamo!”

Paralelamente,Laocoontefue al templo de Posidón para sacrificar un gigantesco toro en su honor y así dificultando la travesía de vuelta a los aqueos pero una vez allí, dos grandes serpientes marinas, llamadas Porce y Caribea, surgieron de las olas y atacaron a los hijos de Laocoonte (Anfitate y Timbreo) y el padre acudió en su ayuda, siendo este momento el inmortalizado en la pieza escultórica,  posteriormente los tres murieron ahogados. El pueblo troyano, al ver el asesinato de Laocoonte fue a por las serpientes pero ellas, se enroscaron en los pies de la gran escultura de Atenea, por lo que interpretaron que el sacerdote de Apolo y Posidón había sido castigado por los dioses por haber atacado el gran caballo de madera así que, siguieron las órdenes de Príamo, que insistió desde el principio en pasar el caballo, lo introdujeron en la ciudad y lo consagraron a la diosa Atenea.

El mito no finaliza con la muerte de Laocoonte, ya que, al haber introducido el caballo en la ciudad, habían condenado a su propia ciudad a la destrucción.Llegada la noche los soldados aqueos que habitaban en su interior salieron de este enorme caballo y abrieron las puertas de la ciudad, dando pie a que los soldados restantes que estaban escondidos a las afueras de la ciudad entrasen en la misma y, por consiguiente, invadiesen y destruyesen la ciudad de Troya, dando por finalizado la mítica Guerra de Troya con la victoria aquea.

La muerte de Laocoonte, por mucho que parezca ser el intento de destruir la supuesta ofrenda a Atenea, fue por otra razón muy diferente. Laocoonte, según cuentan otros autores como Higino, se casó con Antíope en el propio templo de Apolo Timbreo, delante de la estatua de Apolo, lo que constituía un sacrilegio. Esa fue la verdadera razón por la que Laocoonte, fue castigado por los dioses (Apolo) y no por haber intentado destruir el caballo de madera. Esta versión de Higino va un poco a contracorriente y se debe a que la mayoría de mitógrafos opinan que no fue Apolo quien le castigó si no Atenea, porque se casó con Antíope en el Templo de Atenea y no en el de Apolo.

(Las referencias de este apartado han sido tomadas de: Virgilio, La Eneida, ii, 49. Virgilio, La Eneida, ii, 201 e Higino, Fábulas, 135.)

CONTEXTO HISTÓRICO DE LA OBRA

Para hablar sobre el contexto histórico de la obra, es muy importante destacar el hecho de que no se sabe con exactitud cuándo se ha realizado la obra ni quien la ha realizado. Plinio nos dice que la obra ha sido realizada por Atenodoro, Polidoro y Atenodoro, pero no encontramos una evidencia física de esto hasta que no se descubre la cueva de Sperlonga. En esta cueva, se encuentran unas esculturas muy similares con la firma de estos tres autores, y por eso es por lo que se piensa que el Laocoonte fue realizado por ellos, y seguramente en un periodo de tiempo cercano, seguramente en la época de Tiberio, porque estas esculturas se encuentran en la villa de Tiberio, (la cueva de Sperlonga es el comedor de esta villa). Esta inscripción de la que hemos hablado dice: “Atenodoro, hijo de Agesandro; Agesandro, hijo de Peonio y Polidoro, hijo de Polidoro; rodios me hicieron”, por tanto esto confirma que ellos fueron los autores que la realizaron.

El conjunto del Laocoonte fue descubierto en pleno Renacimiento Italiano, en él se inició una etapa de grandes logros y cambios culturales que se extiende hasta el año 1600.

La obra fue hallada de forma accidental en el año 1506, la escultura había permanecido enterrada durante siglos y fue descubierta durante la excavación de un pozo. El descubrimiento supuso un gran impacto en todos los artistas de la época, y el Laocoonte se convirtió en una referencia para todos los escultores especialmente para  Miguel Ángel el cual se veía profundamente sorprendido por el efecto dramático y realista de la obra, la tensión de los músculos, el detalle de las venas, las expresiones faciales… Toda esta influencia del Laocoonte sobre Miguel Ángel la podemos encontrar tanto en sus pinturas como en sus esculturas, como por ejemplo en las pinturas del Juicio Final de la Capilla Sixtina.

El descubrimiento se ha atribuido a un campesino que encontró 9 fragmentos de una estatua de mármol, al enterarse el Papa Julio II, envió al arquitecto Giuliano de Sangallo y a Miguel Ángel a inspeccionar dichos restos.

El descubrimiento no solo supuso una influencia en el arte renacentista, sino que también constituyó un impacto mediático, provocando todo un espectáculo en la ciudad de Roma. El Papa consiguió añadirla a su colección personal al precio de 600 ducados, lo transportó hasta los Palacios Vaticanos atravesando las calles como si se tratase de un desfile triunfal. Fue colocada en el nuevo complejo diseñado por Bramante.

ANÁLISIS DE LA OBRA

En primer lugar, creo que merece especial importancia a la hora de analizar la estructura de la obra mencionar la relevancia del desnudo masculino en esta obra. Los tres personajes que aparecen en la obra presentan un cuerpo similar al de los atletas griegos (desnudo y con una fuerte musculatura). Con esto, podemos apreciar la importancia del desnudo en el mundo griego y en la escultura. El desnudo estaba ligado al deporte, y para las personas de la época llegó a ser como un vestido, un “uniforme” que se utilizaba para hacer deporte y luchar en las guerras. Los atletas, eran personas que tenían tiempo de ir a la palestra, y por tanto no trabajaban, por lo que eran de una clase social alta. En este grupo, encontramos a los personajes representados como atletas, lo que nos dice que eran personas que necesitasen tener un negocio para vivir.  (Arte y erotismo en el mundo clásico. Autora Carmen Sánchez. Ediciones Siruela. Página 22)

La obra muestra tres personajes, el personaje central, es Laocoonte, un sacerdote Troyano consagrado al dios Apolo, y los dos hijos del sacerdote, Anfitate y Timbreo. En la escena se representa el castigo divino que recibe el sacerdote, que dependiendo de las fuentes varía la razón de ese castigo. Pero la versión que aquí aparece representada es la versión de Sófocles, que nos dice que el sacerdote se había unido con su mujer ante el altar del dios y por ello el dios había decidido castigarlo con su muerte y la de sus dos hijos. (Salvatore Settis, Laocoonte fama y estilo, editorial Vaso Roto Arte, capítulo El mito y la escultura, pág 127-129)

Laocoonte aparece representado como un hombre de edad adulta, barbado, como un atleta con una marcada musculatura y con una postura que marca una gran tensión. Los hijos del sacerdote aparecen como dos jóvenes imberbes por lo que podemos deducir que eran jóvenes entre 12 y 17 años. Estos tres personajes aparecen unidos mediante las serpientes que los apresan y se encuentran apoyados sobre un bloque de mármol cubierto con una tela.

Los personajes muestran distintas sensaciones, por ejemplo el sacerdote se lamenta mientras una de las serpientes lo muerde, uno de sus hijos, aparece ya muerto, probablemente por la picadura de la serpiente, y el otro hijo del sacerdote, que se encuentra intentando librarse de la serpiente nos transmite una sensación de miedo mientras mira a su padre. (Autor Salvatore Settis, libro: Laocoonte fama y estilo; editorial Vaso Roto Arte; página 95)

Virgilio, en la Eneida nos cuenta cómo el sacerdote avisa sobre el caballo de Troya, (Virgilio, Eneida, II, 40- 47)

“De lo alto de la fortaleza baja Laocoonte encendido,

al frente de una crecida tropa, gritando

¡qué locura tan grande, pobres ciudadanos!

¿pensáis que el enemigo a huido? ¿Qué los dánaos

pueden hacer regalos sin trampa? ¿Así conocéis a Ulises?

O escondidos en su tripa

vienen los aqueos, o este artefacto se levanta contra nuestras murallas

para espiar nuestras casas y caer sobre la ciudad desde lo alto.

Teucros, no os fieis de este caballo, temo a los dánaos

incluso si vienen con regalos”

En este fragmento, puedo observar las advertencias que el sacerdote da a los troyanos cuando reciben el caballo que los dánaos les han regalado. Él culpa a los troyanos de no conocer a Ulises, diciéndoles que los aqueos deben estar escondidos en el caballo, que es una trampa. Es decir, que este fragmento me indica el posible porqué del castigo de Laocoonte: avisar de la llegada de los dánaos y de la trampa en la que los troyanos están a punto de caer; y el antecedente para que se produzca la escena de la escultura de Laocoonte que se encuentra en los Museos Vaticanos.

Virgilio, también en la Eneida nos cuenta cómo se produce la muerte del sacerdote (Virgilio, Eneida, II, 205-227)

“Dos enormes serpientes cruzan el mar desde la isla de Ténedos

dirigiéndose a la playa; asoman la lengua entre las olas

y con crestas de sangre emergen de las aguas.

El resto de sus cuerpos se retuercen en el mar

como el dibujo de un torbellino. Su silbido

resuena en la sal espumante y al llegar a tierra

traen ojos encendidos, inyectados en sangre y en fuego

y en sus bocas sibilantes la lengua vibra amenazadora

Aterrorizados por la visión, huimos. Juntas

buscan y encuentran a Laocoonte,

después de rodear los cuerpos de sus hijos

devoran a mordiscos sus pobres miembros,

para después abalanzarse sobre él,

que acudía en su auxilio con flechas.

Abrazan su cuerpo con monstruosos anillos,

y con un doble lazo le atenazan con sus cuerpos escamados

y lo sobrepasan con la cabeza y las erguidas cervices.

Él pugna por deshacer los nudos con sus manos,

las vendas de su frente chorrean sangre seca y negro veneno,

eleva al cielo sus gritos horrendos, iguales a los del toro

que escapa herido del ara sacudiendo de su cerviz

el hacha que erró el golpe.”

En este otro fragmento se describe el momento que nos muestra la escultura, especialmente los versos 214- 224, cuando las serpientes ya han llegado a sus víctimas y proceden a realizar el castigo divino impuesto a Laocoonte. Aquí, encuentro descripciones que veo en la escultura “eleva al cielo sus gritos horrendos” ya que en la escultura Laocoonte se encuentra mirando al cielo, con la boca entre abierta, lleno de dolor, que parece como si estuviera gritando, suplicando a los dioses. Por otro lado, en la obra encontramos la escena mezclada, porque al contrario que en el texto, en la escultura encontramos a los tres personajes luchando juntos, y en cambio  en la obra de Virgilio, primero la serpiente ataca a los hijos de Laocoonte y luego atacan al sacerdote.

Esta obra, ha sido construida con piedra local rodia, mármol griego y mármol italiano de Carrara. (http://www.artehistoria.com/v2/obras/8007.htm)

Sobre la autoría de la obra, muchos historiadores del arte, como por ejemplo Salvatore Settis, opinan que fue realizada por Agesandro, Polidoro y Atenodoro, de la escuela de Rodas, porque se han encontrado sus firmas tanto en esta obra como en las obras encontradas en la Gruta de Tiberio, en Sperlonga, obras con las que la obra de Laocoonte y sus hijos tienen gran similitud.

La fama del Laocoonte, empezó al ser descubierta en el año 1506, y continúa hasta nuestros días, gracias a acontecimientos externos a ella.

Finalmente en el comentario de esta obra es importante añadir las características que posee la obra del estilo del que fue realizado. En primer lugar en la obra destaca un fuerte realismo, la gran importancia de la exageración y la expresividad, que rompen con la idealización y la armonía de la belleza. Destaca la utilización de materiales de alta calidad.

REPERCUSIÓN DE LA OBRA EN TIEMPOS POSTERIORES

Imitación del Laocoonte en un cómic de Asterix y Obelix.

Grabado francés

Obra del Greco, en la que se representa a Laocoonte y sus hijos.

Como podemos observar, la obra ha tenido una gran influencia a partir de su descubrimiento, ya que ha sido representado en muchas ocasiones.

 Fotografía tomada en los Museos Vaticanos el pasado mes de Julio.

Como conclusión, pienso que debería resaltar la gran influencia posterior que tuvo el Laocoonte, tanto en la pintura como en la escultura, y la cantidad de problemas que surgieron con su descubrimiento en el año 1506, que llevó a muchos quebraderos de cabeza con la reconstrucción y las teorías que llevó a distintas hipótesis sobre su autenticidad o no.

Lo más destacable dentro de toda esta influencia posterior es la manera en la que cambió la forma de ver el arte en el siglo XVI, en los comienzos del Cinquecento, e influyó no solamente en los artistas italianos, como es toda la vida artística de Miguel Ángel, si no que llegó a otros artistas extranjeros como puede ser El Greco.